Ti sei mai chiesto cosa sono i 12 principi dell’animazione e perché sono così importanti? In questo articolo scoprirai:
- • Cosa sono i principi dell’animazione
- • Le origini
- • Quali sono i 12 principi
Continuando la lettura di questo articolo scoprirai cosa sono i 12 principi e perché utilizzarli!
COSA SONO I PRINCIPI DELL’ANIMAZIONE
Quando si creano animazioni, siano esse 2D, 3D, logo motion, cartoon o qualsiasi altra tipologia, si deve fare i conti con la fisica. Sì, hai capito bene: la fisica! Perché, anche se animiamo personaggi e oggetti di fantasia, dobbiamo comunque renderli “vivi”, realistici dal punto di vista visivo e in grado di trasmettere le emozioni che desideriamo. Per questo esistono i principi dell’animazione e oggi vedremo i 12 principali, ma prima cerchiamo di capire dove affondano le loro radici.
LE ORIGINI
La paternità appartiene a due animatori della Disney: Ollie Johnston e Frank Thomas, che dagli anni ’30 agli anni ’70 del Novecento hanno messo questi principi in pratica nelle loro creazioni. Nel 1981 hanno pubblicato The Illusion of Life, dove teorizzano e spiegano i 12 principi. Libro da leggere e studiare assolutamente!
QUALI SONO I 12 PRINCIPI
Ora conosceremo i 12 principi nel dettaglio.
1. Deformazione
Questo principio serve per dare l’illusione di gravità, peso, massa, flessibilità e durezza agli oggetti animati. Un esempio su tutti è la palla che, nel suo rimbalzo dall’alto verso il basso, viene allargata e schiacciata quando tocca il suolo, dimostrando la flessibilità dell’oggetto.
Un’altra applicazione è quella sui volti e sui corpi che, se allungati o compressi, esprimono emozioni differenti. Quando si applica il principio di deformazione, è importante mantenere il volume dell’oggetto: così, se la palla dell’esempio viene schiacciata, verrà allungata per non perdere il suo volume, dando appunto l’illusione di aderire alle leggi fisiche.
2. Anticipazione
Questo principio prepara il pubblico all’azione che sta per arrivare con un piccolo movimento nella direzione opposta rispetto a quello che seguirà. Questa anticipazione non fa altro che accentuare il movimento.
Ad esempio, un personaggio, prima di sferrare un pugno, “caricherà” il braccio in direzione opposta. In questo modo il gesto sembrerà più naturale, ma anche più potente. Oppure pensa a un supereroe che, prima di spiccare il volo verso l’alto, piega le gambe e, come una molla, si carica per il salto.
3. Messa in scena
Guida l’attenzione sull’azione principale ed è fondamentale tanto per l’animazione quanto per il cinema o il teatro. Si utilizzano movimenti di camera e inquadrature e valgono le regole della composizione, come mettere al centro o a un terzo dell’inquadratura l’azione principale e creare gerarchia, usando al minimo i movimenti secondari e cercando di non sovrapporre i movimenti dei vari personaggi in scena.
4. Azione diretta e posa
Questo principio si divide in due modi di gestire l’animazione del disegno: azione diretta e posa. La prima consiste nel disegnare frame by frame, dall’inizio alla fine, seguendo un ordine temporale. In questo modo si ottengono movimenti fluidi e realistici.
La seconda consiste nel disegnare il frame iniziale, quello finale e quelli intermedi e, solo successivamente, i frame rimanenti. In questo modo si ha un maggiore controllo del movimento, ad esempio nel creare salti di taglio o nel rendere il movimento più veloce o più lento.
5. Segui l’azione
Quando un oggetto si muove, le sue parti non si fermano o partono contemporaneamente; questo principio crea quindi variazioni nel movimento delle singole parti. Per esempio, quando un personaggio si ferma, i suoi capelli continuano a oscillare e si fermano solo un attimo dopo.
È importante perché restituisce informazioni sulle caratteristiche fisiche degli oggetti e rende il movimento più realistico.
6. Velocità dei movimenti
Riguarda il moto degli oggetti che, come nella realtà, necessitano di tempo per accelerare e rallentare. Un’auto parte lentamente, raggiunge una certa velocità e poi rallenta prima di fermarsi. Grazie a questo principio possiamo rendere i movimenti più morbidi e quindi più credibili.
7. Archi
Si riferisce al movimento di un oggetto o di un personaggio che avviene seguendo curve, invece che linee rette. È il movimento naturale, quello che facciamo quando muoviamo un braccio o giriamo la testa: se usassimo movimenti in linea retta, avremmo movimenti robotici e quindi non realistici.
Anche gli oggetti seguono movimenti ad arco ed è quindi importante applicare questo principio per restituire realismo.
8. Azioni secondarie
Servono per rafforzare l’azione principale e aiutano a caratterizzare i personaggi e gli oggetti, dando loro personalità. Per funzionare bene, una scena ha bisogno di un movimento principale e di uno secondario che non distragga dall’azione principale, ma che aiuti a rendere tutto più “vivo” e reale.
Immaginiamo un pugile che sferra dei pugni: se muovesse solo le braccia, il movimento sembrerebbe innaturale. È quindi importante accompagnare l’azione principale (le braccia che sferrano pugni) con, per esempio, movimenti delle gambe. Se usata bene, questa tecnica darà realismo e potrà anche caratterizzare l’azione e il personaggio, soprattutto se enfatizziamo un movimento secondario specifico.
9. Tempistiche
Definiscono la velocità di un’azione: più disegni o key frame significano un’azione più lenta, al contrario, meno key frame indicano un’azione più veloce. Va trovato il tempo giusto per anticipazione, azione e reazione che seguono, altrimenti si corre il rischio di lasciare momenti “morti”, perdendo così l’attenzione.
Contrariamente, se si va troppo veloci, non si darà il tempo di comprendere i movimenti e il senso delle azioni, perdendone il significato.
10. Esagerazione
Consiste nell’esagerare le caratteristiche fisiche o le azioni dei personaggi o degli oggetti. Rendendo l’azione esagerata si ottiene una maggiore comprensione dell’azione stessa e dell’emozione che vogliamo trasmettere.
Usando questo principio, dobbiamo però stare attenti a mantenere un equilibrio: per esempio, se un personaggio esprime la paura in modo esagerato, anche gli altri personaggi dovranno esprimere le loro rispettive emozioni in modo esagerato, per non confondere lo spettatore.
11. Volume dei corpi
È il principio che determina il volume degli oggetti e dei personaggi in scena. Ogni disegno, anche se vive in uno spazio bidimensionale, dovrà suggerire l’idea di peso, solidità e profondità, restituendoci una dimensione in più che suggerisca la forma completa.
12. Attrattiva
Creare personaggi interessanti è lo scopo di questo principio. Più un personaggio sarà attraente, meglio verrà memorizzato da chi guarda. Questo si ottiene non solo “facendo personaggi carini”, ma rendendoli magnetici e particolari.
Possiamo paragonare l’attrattiva di un personaggio al “carisma” di una persona nel mondo reale.
CONCLUSIONI
Siamo arrivati alla fine di questo breve approfondimento sui 12 principi dell’animazione e sul perché rappresentano una base fondamentale per chi lavora con il motion design e i video animati. Abbiamo visto che i principi dell’animazione:
- • Rendono i movimenti credibili e naturali
- • Guidano l’attenzione dello spettatore
- • Migliorano la comprensione delle azioni e delle emozioni
- • Danno solidità, ritmo e coerenza alle animazioni
- • Trasformano un’animazione tecnica in una comunicazione efficace
Già solo questi aspetti fanno capire come i principi dell’animazione non siano semplici “regole”, ma strumenti indispensabili per dare qualità e significato a un video animato. Che si tratti di spiegare un prodotto, raccontare un servizio o costruire un’identità visiva, applicare correttamente questi principi fa la differenza tra un’animazione qualunque e un video che funziona davvero.
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Articolo molto chiaro e interessante. Spiega in modo semplice perché le animazioni funzionano quando “sembrano vive” e quanto questi principi facciano la differenza. Gli esempi aiutano davvero a capire anche senza essere esperti. Lettura molto utile!